les cages

‘‘Une danse entre le pouvoir et la fragilité, la liberté et la captivité, le poison et le remède.’’

Sandra Chevrier est une artiste canadienne, contemporaine pop urbaine, connue pour ses portraits de femmes de sa série Les Cages. Née en 1983, Chevrier obtient son baccalauréat en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal (UQAM). Artiste autodidacte, elle tombe amoureuse de l'art dès son plus jeune âge. Pour elle, l’art devient rapidement une langue à part entière. Elle décrit son travail comme une dichotomie; une danse entre le pouvoir et la fragilité, la liberté et la captivité, le poison et le remède. Son travail est exposé à l’international et ses œuvres font maintenant partie de plusieurs collections de renom au travers du monde entier.

Les œuvres de Sandra ont une vaste portée. Passant d’énigmes émotionnelles fluctuantes aux concepts fondamentaux des communications modernes, elles exposent les limites de notre monde, des attentes que l’on s’impose soi-même et des cages qui nous séparent d’une expérience authentique de la vie. Les portraits de Chevrier, qui demandent à être analysés au-delà de leur apparence immédiate, mettent en scène le fossé qui sépare l’héroïsme fantastique et l’iconographie des bandes dessinées de la tragédie sous-jacente de l’identité féminine opprimée et des illusions superficielles qui en découlent.

En plus d’exposer un monde dominé par les hommes, les sujets des Cages de Chevrier dénoncent le rôle qui y est donné aux femmes et récusent les rôles de séductrice ou de victime. Les images présentées dans ces cages traitent des conflits, des victoires et des défaites. Elles représentent également les limites sociales qui corrompent la vraie beauté et qui enferment les femmes dans les prisons que sont ces identités étroites et hautement codifiées, et qui font qu’on attend d’elles qu’elles ne soient rien de moins que des superhéroïnes. Ses sujets féminins semblent ainsi émerger d’un monde surréel sur la toile, où se dessine une danse entre la réalité et l’imagination, la vérité et la tromperie. Chevrier choisit ainsi de souligner la fragilité des superhéros, leurs combats et leurs faiblesses, en exposant du même coup l’humanité inhérente au surhumain. Derrière l’aspect ludique des images et des onomatopées, les superhéros révèlent ainsi leur fragilité. Après tout, nous ne sommes qu’humains, et avons droit à nos défauts et nos erreurs.

1. Quelque chose que vous avez mentionné à propos de cette dernière série de travaux est que les cages sont presque complètement brûlées, offrant aux figures un nouveau sens de liberté. Pouvez-vous développer cette idée et l'évolution de la libération tout au long de cette série ?

Ce qui distingue ce nouveau corps de travail des précédents, c'est l'accent mis sur le pouvoir transformateur de la libération. Il y a un changement notable dans le récit, mettant l'accent non seulement sur la lutte à l'intérieur de la cage, mais aussi sur le triomphe de la libération. J'ai capturé un moment unique d'action et d'immobilité dans les cadres de la libération. Les mouvements et l'énergie ardente des explosions sont figés dans le temps, créant une tension dynamique et une anticipation. Alors que le chaos des explosions persiste, les portraits restent posés et composés, à l'égard de leur dernier pas vers la liberté. Dans ces dernières œuvres, j'explore combien les gens souhaitent être complètement libres, mais aussi comment nous sommes limités par nos corps et le monde qui nous entoure. Nous voulons tous faire nos propres choix sans que personne ne nous dise quoi faire. Cette idée de liberté totale est comme un grand objectif que nous n'arrivons pas tout à fait à atteindre. Même lorsque les gens essaient de se libérer des règles et des limites, ils sont encore retenus par leur corps et leur façon de penser. Nos corps ont leurs propres limites dont nous ne pouvons pas échapper. Bien que nous puissions nous déplacer et faire des choses par nous-mêmes, nous sommes toujours attachés à la manière dont nos corps fonctionnent. Mon art montre la lutte entre le désir d'être totalement libre et d'être retenu par nos corps et nos esprits. Nos pensées et notre compréhension du monde sont façonnées par des influences extérieures et nos propres expériences. À travers mon art, je veux amener les gens à réfléchir à la manière dont nous équilibrons le désir d'être libres avec les réalités de nos corps et de nos esprits. Mes œuvres racontent une histoire de notre quête incessante de liberté, même si nous sommes constamment confrontés à des limites et des restrictions dans nos vies.

2. Est-ce qu'il s'est passé quelque chose dans votre propre vie qui vous a fait sentir plus libre qu'auparavant ?

Dans ma vie, il y a eu des moments où je me suis senti plus libre que jamais auparavant. Ces temps impliquent souvent le fait de surmonter des défis personnels, de laisser tomber des limites auto-imposées et d’être fidèle à moi-même, ou peut-être simplement de vieillir. Que ce soit à travers l'art, la découverte de soi ou la croissance personnelle, ces moments de liberté retrouvée ont renforcé ma conscience de soi et ma confiance en moi. Ils ont influencé mon art et m'ont inspiré à explorer la liberté et l'indépendance. Cependant, la sensation de s'échapper peut être éphémère. Il y a des moments d'introspection et de bons jours où la sensation de liberté semble à portée de main, pour être ensuite alourdie par le poids du monde que nous habitons, les habitudes apprises, les perceptions, les limitations et les attentes. Les portes des cellules peuvent s'ouvrir mais se fermer aussi brusquement. La question se pose : la véritable liberté est-elle accessible ?

Naviguer entre le désir de donner un bon exemple à mon fils et travailler sur une série appelée "Cages" qui explore le concept de liberté tout en me sentant moi-même piégé peut être un parcours émotionnel difficile.

3. Je me demande quelque chose à propos des « masques » brûlants : dans ce récit de liberté, voyez-vous les femmes comme celles qui mettent le feu au masque, ou quelque chose qui les dépasse ? Je me demande combien d'autonomie ces femmes ont dans leur propre libération ?

Dans le « fil narratif » de mon travail, les femmes représentent la puissance et la force en se libérant. Brûler les masques est un choix délibéré pour s’éloigner de ce que la société attend et des choses qui les retiennent. J'essaie de dépeindre des femmes qui montrent indépendance et contrôle sur leur vie, prenant en main leurs histoires et revendiquant qui elles sont avec leur force et leurs défauts. Bien que les influences extérieures puissent façonner nos vies, les femmes sont perçues comme des forces actives de changement, montrant leur pouvoir en travaillant vers la liberté. Brûler les masques, les Cages est une manière forte pour elles de se libérer et de se sentir émancipées, mettant en lumière leur indépendance et leur force dans la création de leurs propres chemins vers la liberté. Pour moi, brûler les "Cages" est un symbole personnel, semblable à la signification historique de "brûler des soutiens-gorge". Tout comme l'acte de brûler des soutiens-gorge symbolisait la libération des femmes et la défiance des rôles de genre traditionnels dans le passé, nous avons parcouru un long chemin depuis lors ; brûler les "Cages" représente ma propre rébellion contre la contrainte et les limitations, affirmant ma liberté et mon autonomie dans mon expression artistique.

4. Suivi : Je me demandais, car depuis que vous avez commencé la série il y a de nombreuses années, différents types de législation et de lois ont été adoptés restreignant la liberté des femmes, et vraiment, celle de tout le monde. Et donc, je m'interroge sur votre perspective sur le rôle de l'individu tentant de se libérer et des contraintes et défis que la société leur impose et qui échappent à leur contrôle.

Malheureusement, nous serons toujours confrontés à des défis de la part de la société, comme des lois qui limiteront notre liberté, surtout pour les femmes, même si nous faisons deux pas en avant, il semble que nous sommes toujours ramenés d'un pas en arrière. Mais plus que jamais, nous constatons que notre voix compte et que les collectifs mais aussi les individus peuvent faire une différence en s'élevant contre des règles injustes, en soutenant l'égalité et en luttant pour les droits de l'homme. En travaillant ensemble pour changer ces lois et promouvoir la liberté pour tous, en votant, en exprimant nos opinions… nous pouvons créer une société plus juste et inclusive. Cela demande du courage, de l'unité et une croyance en la justice et l'égalité pour avoir un impact positif. C'est un combat constant et il est triste de voir que ceux qui souhaitent imposer ces contraintes sont aussi des humains.

5. Comment trouvez-vous votre propre pouvoir ?

Découvrir mon propre pouvoir est un voyage d'apprentissage sur moi-même et de ressentir ma force. Cela implique d'être fidèle à moi-même, de savoir qui je suis et d'être capable de rebondir après des moments difficiles. Mon pouvoir personnel vient de la connaissance de mes forces, de ce qui compte pour moi et de ce que j'aime faire. Cela m'aide à faire face aux défis, à surmonter les obstacles et à poursuivre mes rêves avec conviction et détermination. En puisant dans ma force intérieure, ma créativité et ma confiance, je peux utiliser mon pouvoir personnel pour faire une différence, grandir et apporter de la positivité dans ma vie et dans le monde. Je trouve ma force en étant une bonne mère, en suivant mes passions, en profitant de la vie et en tirant le meilleur parti des grandes opportunités que j'ai.

6. Vous avez également mentionné que vous avez exploré de nouvelles techniques dernièrement. Sans dévoiler vos secrets, pouvez-vous nous dire sur quoi vous avez expérimenté ? Qu'avez-vous appris de ces expériences ?

J'ai toujours aimé explorer cette série de différentes manières en utilisant divers matériaux et techniques. Le concept du masque fait partie de mes dessins depuis mon adolescence, conduisant à une évolution continue et à une exploration. Mais je dois admettre que ces dernières années, j'ai été contraint de travailler sur différentes techniques car mon bras a été blessé. J'ai développé une tendinite après avoir trop travaillé sur un chevalet. Ce défi m'a poussé à trouver de nouvelles façons de m'exprimer et à adapter mon processus créatif. Bien que j'ai une passion pour l'utilisation des encres et des aquarelles, où je peux contrôler le résultat dans une certaine mesure tout en embrassant l'imprévisibilité de l'eau, j'ai maintenant commencé à expérimenter différents types de papier. J'ai découvert que l'utilisation de divers papiers, en particulier du papier de riz, ajoute de la profondeur et une personnalité unique à mon travail. Je suis tombé amoureux de la délicatesse et des belles imperfections du papier de riz, que j'ai présenté pour la première fois l'année dernière à la Art Paper Fair avec Harman Projects à New York. Par ailleurs, l'exploration continue de ma série évolutive « Cages » a suscité mon intérêt à jouer avec des textures et des reliefs. J'envisage même d'incorporer un élément sculptural ou 3D dans les masques de mon art, ce que j'ai également exploré un peu dans le passé. Je suis impatient de continuer à expérimenter dans les années à venir et espère obtenir des résultats intéressants !

En avançant, je continuerai à explorer le thème de la libération à travers cette série en expérimentant de nouvelles techniques, des métaphores visuelles, des images symboliques et des récits expressifs. Je continuerai également à jouer avec les dichotomies, car j'ai compris que rien n'est purement bon ou mauvais ; il existe un spectre en tout. Ces dichotomies ajoutent de la profondeur et du contraste à mon exploration artistique. Mon objectif est de faire en sorte que le spectateur se sente compris et vu, reconnaissant que nous habitons tous des corps et des esprits humains sur une planète où la lumière et l'obscurité, l'amour et la perte, l'espoir et le désespoir, et les rêves et la réalité s'entrelacent comme des amis et des ennemis.

7. Suivi : Je me souviens que vous avez dit dans une interview que vous trouviez souvent difficile de lâcher prise lors de la création d'œuvres ; commencer cette série a marqué un tournant dans la façon dont vous réalisez votre travail et les contraintes que vous vous imposez. Étant donné à quel point les portraits de ces femmes sont détaillés, comment parvenez-vous à équilibrer contrôle et chaos dans votre pratique ? Faites-vous de la place pour les deux ?

Créer des œuvres d'art détaillées avec un contrôle précis m'aide à me détendre et à trouver la paix intérieure. C'est comme une forme de méditation qui me garde équilibré et calme. L'attention méticuleuse portée aux détails dans mes portraits et les innombrables heures passées devant le chevalet me permettent de me concentrer et de m'immerger dans le travail, offrant une forme de thérapie. Dans cette exposition, vous verrez des portraits très détaillés et contrôlés, mais je présente également des croquis plus spontanés et libres.

Dans chaque exposition sur laquelle je travaille, il y a une variété notable. Par exemple, lors de l'exposition d'Oslo en 2021 intitulée "Cages et le Don Insupportable de la Liberté", j'ai présenté un mélange d'œuvres brutes, texturées et dynamiques en noir et blanc utilisant des pastels, des encres et du graphite aux côtés de toiles raffinées et détaillées. Ce contraste entre les portraits polis et les œuvres plus expressives m'a permis d'expérimenter différentes techniques, telles que l'utilisation de divers papiers, d'encres et d'aquarelles. En combinant des pièces hautement contrôlées avec des créations plus spontanées, je maintiens mon équilibre créatif.

8. Je veux souligner que cette dernière série d'œuvres dans la série "Cages" est entièrement peinte. Ce n'est pas la première fois que vous faites cela. Dans une interview de 2016, vous avez déclaré que l'approche en technique mixte que vous utilisez — mélangeant des bandes dessinées avec vos peintures — était guidée par l’instinct, tandis que les pièces entièrement peintes étaient plus calculées car vous contrôliez l'histoire. Est-ce toujours vrai pour vous ? Votre approche de l'invention de récits dans les panneaux de bandes dessinées a-t-elle changé au fil des ans ? Avant de commencer à peindre, je dois toujours utiliser les bandes dessinées elles-mêmes pour créer l'image de référence. Au fil des ans, j'ai changé mon processus. Au lieu de travailler directement sur la toile avec les bandes dessinées, je collabore maintenant avec de vrais modèles qui viennent à mon studio. Intuitivement, mais en essayant de suivre un récit, je crée des masques pour eux avec des bandes de bandes dessinées déchirées qui sont directement appliquées sur les visages des modèles. Nous faisons ensuite une séance photo pour capturer ces créations uniques, j'aime jouer avec la lumière et les ombres, différents couleurs d'ampoules et guider les modèles pour explorer différentes expressions faciales ou émotions. Ensuite, j'utilise les photos comme références et je peux utiliser Photoshop pour déconstruire davantage les images, comme vous pouvez le voir dans cette exposition. Cette nouvelle approche implique beaucoup plus de temps, de préparation et d'étapes supplémentaires pour parvenir à l'œuvre finale, mais elle me semble plus authentique, ou vraie par rapport à ce que je veux créer.

9. Je me demande également à propos des titres des œuvres de cette série. Les lire dans l'ordre donne presque l'impression d'un poème (excusez mes traductions si elles ne sont pas exactes !).

"Je n'ai pas vendu mon âme au diable"

"Au bord du silence"

"Sous les sarcasmes des anges"

Comment titrez-vous vos pièces ? Que cache ces noms poétiques ?

Les titres des œuvres de la série sont élaborés avec intention et résonance poétique, mon travail exigeant d'être disséqué au-delà de sa surface. Je pense que ces titres ajoutent une autre couche de profondeur et de signification aux œuvres d'art. Tout comme parfois, sur certaines pièces, vous trouverez une citation de bande dessinée choisie déchirée au bas d'une pièce qui sert de guide au spectateur. Chaque titre est soigneusement sélectionné pour évoquer des émotions, susciter des réflexions et donner un aperçu des récits et des thèmes explorés dans l'œuvre. De plus, écrire les titres en français est un clin d'œil au fait que je suis Franco-Canadien et que je rends hommage à ma première langue. Je puise mon inspiration dans diverses sources ; mon carnet de croquis est rempli de centaines de titres, dont certains sont des mots qui me viennent à l'esprit, des paroles de chanson ou des citations de livres.

10. Il y a aussi une petite série de pièces en noir et blanc dans l'exposition. Elles semblent beaucoup plus intimes car elles n'ont pas la couleur frappante et déclarative que présente un monde plus vaste. Ces petites pièces font-elles partie de votre processus de peinture ? Ou sont-elles des œuvres autonomes ?

J'appelles ces « croquis » ; ils sont plus détaillés que ce que l'on trouve généralement dans mes carnets de croquis. Mais lorsque le temps le permet, j'apprécie d'expérimenter une image de différentes manières avant d'arriver à l'étape finale du « canevas ».

11. Enfin, l'exposition s'intitule Oiseaux sur Cages. Pouvez-vous en dire plus sur le titre de cette exposition ?

C'est un titre que j'avais en tête depuis longtemps et j'ai récemment créé un logo avec juste un oiseau perché au sommet d'une cage.

Pendant mes années de collège, j'ai découvert le travail du photographe Henri Cartier-Bresson. J'ai toujours détesté la vue des oiseaux dans des cages, privés de leur capacité à voler, rendant leurs ailes inutiles. Inspiré par un portrait qu’il a fait, "Portrait d'Henri Matisse (Vence, France)", où l'on voit un homme assis sur une chaise dans une petite pièce entouré de cages vides avec des oiseaux perchés dessus. Voir les oiseaux maintenant reposant sur le toit d'une cage symbolise la liberté ultime. J'ai créé un logo pour ma société, qui s'aligne bien avec la dichotomie de mon travail et m'a inspiré pour le titre de cette exposition particulière. Dans cette dernière série, les "cages" se dissolvent, explosent et brûlent avec intensité, laissant derrière elles des restes qui symbolisent le chemin tumultueux pour se libérer de la contrainte. Bien que des traces des masques demeurent visibles, il y a un sentiment de renouveau et de liberté plutôt que d'étouffement. Les œuvres dégagent un sentiment palpable de satisfaction, d'exaltation et de pouvoir, semblable à un oiseau s'élevant au-dessus de son ancienne cage, libéré de toute contrainte.